Autore: Redazione

Così potremmo chiamare i temi, come gli echi delle celebri guerre (stellari) del regista George Lucas, che hanno segnato il decennio: tra nuovi spazi intergalattici e immaginari da esplorare, rivoluzioni, politiche e sociali che ne hanno definito i contorni attraverso il rinnovamento del gusto e del lifestyle di un’epoca per molti aspetti rivoluzionaria. Questo fermento, che si legava alle rivoluzioni del decennio precedente attraverso un contraddittorio senso di sconfitta e vittoria al tempo stesso da parte degli aderenti alla controcultura, riscopre un individualismo che tende a esprimersi in eccentricità: dall’arte seriale e irriverente di Andy Warhol alle conturbanti sonorità di Lou Reed e dei Velvet Underground fino a Elton John e a David Bowie, che con un’originalità senza uguali hanno cantato l’ignoto di un altro spazio oltre la terra. E in termini di design questo fermento, come ha contaminato gli spazi e gli accessori della quotidianità? Attraverso una rivoluzione del gusto dall’intento inequivocabile.

L’identità del decennio è passata dal mondo delle idee a quello del design imprimendo un significativo twist dal gusto post-moderno. Sono le linee essenziali e pulite del mondo degli oggetti, in particolare quelli relativi all’illuminazione – con la consacrazione delle lampade a sospensione dal bianco immacolato – a essere accostate agli immaginifici effetti tipicamente optical, frutto delle influenze del mondo della psichedelia ancora in voga, a caratterizzare le forme geometriche delle carte da parati dalle tinte sgargianti che decoravano le case. Il destino dei colori sembrava agganciarsi a quello delle forme costruite ad arte per ingannare l’occhio: l’Optical Art, nata sul finire degli anni ’60, si sviluppò e trovò la cornice migliore per esprimersi nel decennio successivo, accostando in particolare due colori: il bianco e il nero, il cui match diede il via al suo utilizzo più congeniale nella moda e negli accessori. Il mood board di questo stile, che strizza l’occhio alla fantascienza, anche attraverso occhiali dalla forma oversize dall’effetto stampato, è ben reso dal video clip creato da Jack Whiteley e Laura Brownhill per la canzone Bennie and The Jets, di Elton John, che proprio in quegli anni era intento a ricavarsi un posto nel tempio dello stile: esibirsi di fronte al pubblico con vistosi occhiali da sole, riccamente decorati anche al calar del sole, divenne un viatico verso l’iconografia di un’epoca. Ma furono gli occhiali dalla forma bold e dai colori vivaci a rappresentare al meglio i toni ironici e desiderosi di leggerezza di quella corrente del gusto, figlia di quei fiori che tutti conosciamo, che contribuì a dare un nuovo impulso agli oggetti e al design di interni del periodo. Dello stretto legame rivendicato dal revival delle filosofie orientali e della necessità di un benessere connesso a uno stato di natura è intriso quel trend che ancora oggi in casa Marcolin influenza le collezioni più glam e luxury, dalle forme audaci e dai colori pastello.

Così fecero i designer del decennio, ricorrendo a nuove forme e a nuovi materiali. Dalla cultura pop e dal mondo dell’animazione si raccolsero bocche, mani, vegetali da trasformare nelle più eclettiche delle sedute. Dalla volontà di sperimentare, invece, nacque la necessità di concentrarsi su nuovi materiali. Anche controversi. Non è il caso della gommapiuma – antesignana del poliuretano espanso – bensì della plastica, sul cui utilizzo si scontrarono i due poli opposti della controcultura: quella hippy, che aberrava persino la parola perché «…di plastica erano gli oggetti prodotti in massa, facili da manipolare e privi di autenticità. Le persone di plastica avevano gli stessi attribuiti» scriveva Ken Goffman nel saggio Controculture. Al contrario per Warhol, la plastica possedeva qualità: flessibilità, mutevolezza, variabilità. «Nel regno dell’autenticità, la flessibilità può essere sospetta» proseguiva Goffman, rimarcando il contrasto estetico e di pensiero di un decennio fortemente contraddittorio, che spinse una parte del movimento hippy a seguire la variabilità eccentrica di Warhol, caratterizzata da suo ironico distacco. Del resto, l’artista passò alla storia per essere attratto dal denaro, dalla fama e dalla bellezza superficiale.

Le storie che amiamo di solito sono quelle che, in qualche modo, consideriamo vicine al nostro mondo. Al contrario, le scoperte catapultano su scenari molto distanti dalla propria realtà. Eppure ci catturano. Un po’ come quella di Monica Sjöö la cui vicenda offre spunti su temi caldi quali, su tutti, la parità di genere. Si tratta di un argomento molto sentito per Marcolin, che sin dalla sua fondazione, è impegnata a sostenere politiche di genere in senso lato e azioni tese a favorire il bilanciamento tra vita lavorativa e vita familiare. Sin dall’inizio abbiamo scelto di prevenire: l’abbandono del lavoro da parte delle lavoratrici, innanzitutto, che per scelta o necessità, decidevano di occuparsi della famiglia. Col passare del tempo e il sopraggiungere di nuove sfide abbiamo attivato percorsi a sostegno della genitorialità, di inclusione ed empowerment al femminile di cui Sabrina Paulon, Group HR Director di Marcolin, ha già avuto modo di parlare. L’idea di raccontarvi The Great Cosmic Mother è nata da un interregno che unisce le assonanze e la qualità della scoperta di quest’artista svedese. Un percorso unico, in grado di mettere insieme tre elementi imprescindibili e interconnessi del mondo di Monica Sjöö: arte, politica e spiritualità.

Se il principio di ogni pensiero si misura con la parola, quella di Monica è collegata a Gaia, lo spirito della Terra, inteso come principio creativo del mondo, riflesso nel corpo della donna. È proprio quest’idea dipinta a unire i cicli della natura con la maternità, che, digradando in pratiche rituali vicine al paganesimo, rendono dirompente l’arte di Monica Sjöö. Quel che mette in scena non è una favola, e la tela God Giving Birth (1968) traduce inequivocabilmente l’iconografia femminista: Dio è una donna intenta a partorire. Ispirata dall’esperienza del parto del secondo genito, l’opera, tacciata di blasfemia e oscenità, sarà censurata e rimossa ovunque esposta. Oggi è parte di un corpo di 50 opere, tra le quali compaiono le suggestioni mistiche delle grandi tele e di opere murarie, inclusi i poster di protesta che hanno accompagnato l’artista nelle sue marce a favore dell’ambiente e della pace già a partire della fine degli anni ‘60.

Come molti artisti, Monica Sjöö ha vissuto una parabola personale che l’ha condotta oltre i confini di casa. Nata a Härnösand, nella contea svedese di Västernorrland nel 1938, troverà la strada dell’emancipazione a Bristol, dove si trasferisce in seguito all’incontro, avvenuto a Parigi, con il britannico Stevan Trickey, il futuro marito. L’esperienza traumatica del parto del primo figlio, avvenuta in un ospedale svedese, sarà materia di indagine personale fino alla catarsi, dovuta alla nascita degli altri due figli nelle più rassicuranti mura domestiche. A Bristol, nel 1964, Monica espone le prime tele astratte, dando inizio al suo impegno a favore dei movimenti femministi e pacifisti. È un rituale di passaggio che la porta in contatto con gli ambienti civili e radicali del suo tempo: dalle proteste contro la guerra in Vietnam passando attraverso le marce di liberazione dei movimenti femminili, che vedono nella libertà dell’individuo, senza distinzione di sesso, genere o classe un diritto imprescindibile. L’esposizione documenta l’impegno a tutto tondo dell’artista, consegnando al pubblico il ritratto di una donna la cui arte poetica, controversa e mai banale, radicale e struggente – come la tela a cui affida il dolore per la morte del figlio minore, Lament for my young son, primo di una lunga serie – e costringe alla riflessione. Il Moderna Museet di Stoccolma, in collaborazione con il Modern Art di Oxford, ha tracciato un fil rouge tra l’azione ecologista e femminista di Monica Sjöö e il movimento contemporaneo dei Fridays for Future, creato da un’altra svedese, decisamente più nota, ovvero Greta Thumberg. La mostra, per i temi trattati e per la narrazione originale, non poteva lasciare indifferente un’azienda come Marcolin. Per vederla a Stoccolma c’è tempo fino al 15 ottobre.

The Misfits, directed by John Houston and released in 1961, made history for various reasons. Firstly, because the film stars Marilyn Monroe and was written by her husband playwright Arthur Miller, as his first and only script. Secondly, because it also features Clark Gable, who had never worked with Marilyn Monroe before. As a final addition to this stellar cast – specifically assembled to promote the film written by Miller – comes Montgomery Clift. Today, for the first time ever, the public can view, set against the breathtaking backdrop of Forte di Bard (AO), a story within a story, thanks to discreet and never intrusive shots from the archives of the celebrated Magnum agency. The shots depict the behind-the-scenes of a movie shadowed by the fame and personal life of its main characters (film icon Marilyn Monroe more than anyone, who at the time was going through the end of her troubled relationship with Arthur Miller – the couple in fact officially announced their divorce after the shooting). The exhibition, open until September 17, 2023, offers the typical behind-the-scenes graceful approach, a peek at the atmosphere and energy of a unique mix of scenic fiction and vivid emotions.

A small group of photographers with a great personality had exclusive access to the movie set: Eve Arnold, Cornell Capa, Henri Cartier-Bresson, Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Ernst Haas, Erich Hartmann, Inge Morath and Dennis Stock. Every one of them documented, with their own style, the film shooting. The exhibition showcases 60 shots, as a tribute to the decade to which it refers, the 1960s, when the wind of change was blowing in America, shining the spotlight on youth protest movements. Western movies that were so popular in the 1940s and 1950s were now out of fashion; Arthur Miller knew it and so he chose a very personal approach to his script. Magnum Photos also wanted to be part of the change and welcomed the first woman photographer aboard: Eve Arnold, whose backstage shots of The Misfits are featured in this article as they really capture and express Marilyn Monroe’s emotional authenticity on and off stage.

The diva, instead, the one who was born when she changed her name to Marilyn Monroe, expressed herself with seductive femininity – an allure that in the 1950s the Hollywood industry had already built around other icons of the time, from Elisabeth Taylor to Ava Gardner. After all, the audience just wanted to dream and the post-war period provided fertile ground for the codification, also in aesthetic terms, of a diva status that would continue until the 1960s. The classic dark cat-eye or butterfly sunglasses that were so popular at the time featured the typical shapes that were considered real style must-haves and that are now back in fashion in the Marcolin collections. In fact, in the shots featuring Marilyn in New York City on the day after her divorce announcement from Arthur Miller, she is captured forever wearing a pair of dark cat-eye sunglasses, her face framed by a classic white scarf, perhaps shielding her, like never before, from the tough outside world.

È quel che è successo ad Arianna Foscarini, una consulente d’immagine specifica per l’eyewear con diversi assi nella manica: il primo è che alla base di quella che è diventata una professione di lungo corso, ottica professionista, ci sono stati gli anni di formazione tecnico scientifico nell’ambito dell’oftalmica, seguiti dal perfezionamento di ambiti come la moda e il design. Il secondo è che la sua passione per l’occhiale ha mosso i primi passi in un ambiente familiare dalla spiccata radice creativa e artistica, che le ha reso subito chiaro che a volte l’applicazione alla lettera di formule funziona solo sulla carta. Così, quando a 14 anni ha dovuto indossare l’occhiale da vista che efficacemente correggeva la sua miopia l’amara scoperta: non le rendeva giustizia a livello estetico, ma la costringeva ad indossare quella forma di disagio che, sui banchi di scuola, molti hanno sperimentato sentendosi chiamare quattrocchi. Da questa esperienza personale è nata la sua missione di vita, ovvero supportare le persone a scegliere l’occhiale giusto per esprimere la propria unicità. Perché per dare corpo al proprio stile c’è bisogno di alleati. E un occhiale può fare la differenza.

Arianna è l’unica consulente d’immagine, specializzata nell’eyewear, ad avere formalizzato un proprio metodo circa dieci anni fa, frutto di una pratica da sempre esercitata nella sua professione di ottico. Foskap unisce la praticità di test che mettono insieme estetica e tecnica, attraverso l’armocromia e la forma dell’occhiale da scegliere grazie all’analisi del volto della persona. «Molte volte si sceglie un occhiale prendendo come riferimento unicamente la forma del viso» spiega Arianna «in realtà così facendo si eludono tante altre caratteristiche del volto che sono determinanti allo scopo, come i volumi per esempio – un volto può essere scarno o piatto – la dimensione del naso, su cui l’occhiale calza, che catalizza l’attenzione, trovandosi al centro del viso». «L’altra parte importantissima è rappresentata dalla sezione aurea, di cui occhi, per l’aspetto refrattivo, la dimensione, la forma, la loro distanza, e, infine, la bocca sono fondamentali».

La forma del volto è un punto di partenza del metodo di Arianna e d’ispirazione al tempo stesso. Per esempio, al volto ovale, identificato da Leonardo Da Vinci come forma perfetta, donano tutte le forme degli occhiali. «In questo caso è importante armonizzare i volumi e valorizzare i punti di seduzione specifici della persona: occhi o bocca per esempio». Proprio partendo dal volto della perfezione di Leonardo lavora l’armonizzazione del metodo di Arianna, utilizzando accorgimenti ottici. Per questa ragione i quattro angoli tipici di un volto quadrato saranno smussati attraverso le forme arrotondate degli occhiali. Al contrario un viso rotondo, privo di spigoli, ha bisogno di movimento. «Occhiali dalla forma allungata, come i cat eye o a farfalla, sono perfetti in questo caso. Sarà anche importante il volume del volto, sul quale, nel caso di un viso particolarmente pieno, si può intervenire con la scelta di un materiale adatto, come i metalli». E per il particolare volto a triangolo? «E’ l’unico volto a cui donano i famosi Pilot glasses».
Se tutto questo risulta oltremodo vero da un punto di vista tecnico, da un punto di vista stilistico la personalità è una componente determinante nella scelta di un occhiale. Può capitare che la forma adatta sulla carta non si sposi al carattere di chi dovrebbe indossarla. Allora si lavora su opposti e accorgimenti, perché a volte, per mettere insieme ideale e stile, c’è bisogno di moderni alchimisti.